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Ces dernières années, vous avez certainement remarqué que le cinéma multiplie les clins d’œil aux années 20. Les films tels que Midnight in Paris, The Artist, et plus récemment The Great Gatsby qui a fait l’ouverture du Festival de Cannes, sont de véritables hommages à cette période.

© 2013, The Great Gatsby, de Baz Luhrmann avec Leonardo DiCaprio et Carey Mulligan…

Or, lorsqu’on regarde les photos des stars de cette époque on constate que leurs portraits dégagent un aspect, doux, tamisé, voilé, avec une lumière très diffuse. Comme il est très difficile d’obtenir une lumière si particulière, les photographes et cinéastes de l’époque avaient inventé une astuce : ils se servaient de bas comme filtre diffuseur. Cette technique était très populaire dans les années 20 pour ajouter une touche glamour aux stars hollywoodiennes.

© Chanel, Photo de Coco Chanel

Je trouve cet effet très plaisant, j’ai donc décidé de vous apprendre à réaliser votre propre filtre qui vous servira à photographier un portrait comme durant les twenties .

De quoi avez-vous besoin ?

-Un bas : vous pouvez le faire avec des bas de n’importe quelle couleur, tout dépend de l’effet recherché

-Du scotch double face transparent : pour fixer votre bas

-Une paire de ciseaux : pour vous aider à couper le scotch :-)

-Un appareil photo avec objectifs interchangeables (reflex ou hybride)

Photo de Mary Pickford

Que faire avec le filtre ?

Cette partie est la plus délicate donc mettez-vous au calme et prenez votre temps. A la différence des filtres classiques vous n’allez pas le mettre à l’avant de votre objectif mais à l’arrière, entre l’objectif et le boîtier photo.

Vous allez sûrement vous demander pourquoi. Il faut savoir qu’un bas est bien plus opaque que les filtres qu’on utilise habituellement, plus il sera proche de votre capteur moins il gênera le passage de la lumière.

On pose donc le scotch sur les contours de l’objectif, sans toucher la lentille et sans entraver les crans qui permettent de fixer l’objectif au boîtier.

©Shane Hurlbut

Je tiens à préciser qu’il faut utiliser la partie du bas couvrant la jambe et non pas le pied. Il suffit maintenant de poser le bas sur ce cercle de scotch pour terminer votre filtre.  Vous pouvez  moduler l’effet de diffusion suivant la manière dont vous étirez le bas.

©Shane Hurlbut

Suivant la longueur de votre focale l’effet voilé sera plus ou moins prononcé. Pensez également que vous allez perdre en luminosité à cause de l’opacité du bas, ce qui peut être gênant si vous photographiez dans un lieu déjà sombre.

Comment perfectionner le résultat ?

Vous l’avez compris, grâce au filtre, l’ensemble l’image est plus doux que la scène originale. Ce procédé était une sorte de Photoshop avant l’heure, puisqu’il gommait les imperfections du visage et donnait plus de charme à l’image. Cependant vous pouvez perdre des détails comme la netteté au niveau des yeux ce qui est regrettable dans le cadre d’un portrait. Pour conserver de la netteté à cet endroit vous pouvez percer deux trous dans votre bas au niveau des yeux. Ainsi vous allez conserver un rendu tamisé sur l’ensemble de votre image à l’exception des yeux.

© George Hurrell, photo de Norma Shearer.

Maintenant à vous de jouer les stars avec votre nouveau filtre !

Si vous souhaitez vous améliorer en portrait n’hésitez pas à participer à notre cours sur l’art du portrait ou photo en studio ce samedi .

Boris

© Fiddle Oak

1) L’équipement nécessaire :

-un appareil photo numérique réglable en mode manuel.

-des éléments de mise en scène, pour que l’on se rende compte du changement de taille. Je vous conseille de petits objets : livres, tasses, cuillère, stylos… qui vont accentuer l’effet de miniaturisation de votre modèle.

-une petite figurine, ou un objet s’en rapprochant, pour visualiser où votre sujet apparaîtra dans votre mise en scène.

-un logiciel de montage photo (Gimp, Photoshop…), nous utiliserons Photoshop pour cet exemple. Vous pouvez télécharger une version d’essai ici

-un trépied, ce n’est pas obligatoire mais ça facilite la vie pour prendre les photos et préparer la mise en scène.

2) La prise de vue :

Ce photomontage nécessite au minimum 2 photos. Nous allons réaliser une première photo correspondant à la mise en scène que l’on souhaite obtenir. On prépare nos décors et on effectue nos réglages en mode manuel pour que chaque photo conserve des rendus proches. Laissez de côté la mise au point, on s’en charge par la suite.

Puis nous ajoutons la figurine à l’endroit où l’on souhaite faire apparaître notre sujet. On utilise la mise au point manuelle et on fait le point sur la figurine. L’objectif de cette manipulation est d’obtenir un photomontage cohérent et qu’on ne se retrouve pas avec deux points de netteté différents dans notre image finale.

Photo mise en scène avec figurine © Mon Cours Photo

On enlève la figurine et on shoot notre première image en gardant la même mise au point. La première photo correspond à notre mise en scène, sans sujet :

Photo 1 © Mon Cours Photo

On photographie ensuite notre sujet. Je vous conseille d’effectuer votre photo dans la même pièce avec un angle de vue similaire. N’hésitez pas à vous servir de votre première photo pour vérifier que les angles de vos deux prises de vue soient le plus proche possible.

La photo de notre sujet :

Photo 2 © Mon Cours Photo

3) Le photomontage :

L’objectif de ce photomontage est d’incorporer la 2^ème image dans la première en faisant une réduction. On ouvre la première image dans Photoshop et on importe la suivante (Fichier – Importer…).

Vous allez pouvoir adapter cette seconde image à votre décor. Pour ne pas déformer votre photo lors de la réduction maintenez appuyé la touche ‘’maj’’, ça permet de conserver les proportions.

N’hésitez pas à diminuer l’opacité pour vous rendre mieux compte de la place prise par l’image (voir cadre en rouge sur l’image).

© Mon Cours Photo

Suite à cela on valide l’importation en faisant un clic droit sur votre calque et en cliquant sur importer :

© Mon Cours Photo

On réajuste notre opacité à 100% puis on clique sur notre image et Photoshop va nous demander de la pixéliser, on accepte.

On va maintenant devoir appliquer un masque de fusion pour enlever les éléments gênants :

© Mon Cours Photo

Utilisez ensuite l’outil pinceau avec la couleur noire pour effacer les éléments non désirés. Vous pouvez régler l’épaisseur du pinceau pour plus de précision et faire réapparaître des éléments effacés par inadvertance en remplaçant le noir du pinceau par du blanc.

© Mon Cours Photo

Une fois notre montage réalisé on obtient une photo avec notre modèle en miniature.

© Mon Cours Photo

Vous savez désormais comment réduire vos modèles pour les faire évoluer dans vos propres mises en scènes ! Faites-vous plaisir et créez votre univers surréaliste !

© Rosie Hardy

Je vous expliquerai comment créer des ombres et des reflets pour rendre vos photomontages encore plus crédibles dans mon prochain tutoriel .

A bientôt et n’hésitez pas à partager cet article.

Boris

© Thomas Hawk

1) Pourquoi photographier des silhouettes ?

L’intérêt de photographier une silhouette est de restituer une image mystérieuse faisant appel à l’imagination. Il faut cadrer de manière à ce que l’image soit épurée de ses détails pour en conserver uniquement l’essentiel. Il en résulte une image à la fois forte et simplement compréhensible, ce qui tend à séduire notre œil.

© Yves Lorson

On peut souligner un autre avantage de cette technique : les ombres chinoises des sujets photographiés ne sont pas clairement identifiables. Il s’agit d’un atout pour la photographie de rue qui se heurte régulièrement au problème du droit à l’image et à la notion de vie privée.

2) Quelles sont les conditions de lumière nécessaires ?

Pour obtenir une photographie de silhouette il est nécessaire de placer son sujet en contre-jour. On oublie donc les règles classiques de photographie  en sous-exposant volontairement le sujet. Profitez donc des couchers de soleil et des fenêtres qui sont d’habitude des obstacles à vos portraits. Notez qu’il faut aussi désactiver le flash car on ne souhaite pas réaliser de fill-in .

© Thomas Hawk

Les photos de silhouettes constituent un exercice intéressant pour comprendre la différence entre l’œil humain et les capteurs qui équipent nos appareils photo. En effet, notre œil perçoit plus de détails que le capteur de notre appareil photo dans les hautes et basses lumières. Grâce à l’adaptabilité de notre pupille il est très rare d’observer des silhouettes totalement noires.

3) Quels réglages effectuer ?

La difficulté majeure réside dans la sous-exposition du sujet. Il n’y a pas de réglages types (iso, ouverture, temps de pose…) pour photographier une silhouette. Le plus important est d’avoir un écart d’IL important entre votre silhouette et le reste de l’image (minimum 3-4 IL). Un IL correspond à un écart d’exposition entre les 2 parties de l’image.

Souvent la mesure évaluative est suffisante, mais pour assurer l’effet silhouette vous pouvez faire votre mesure de la lumière en mode spot sur les zones éclairées de votre image.

Il peut arriver que les conditions de lumière deviennent compliquées et rendent parfois la mise au point laborieuse. Si votre autofocus patine, n’hésitez pas à passer en mode manuel pour réaliser vous-même votre mise au point sur votre sujet.

Si vous ne comprenez pas les termes utilisés voici les articles les explicitant :

Autofocus: http://www.cours-photographie.fr/astuces/ai-servo-af-s-af-c-mise-au-point/

Mesure de la lumière: http://www.cours-photographie.fr/astuces/modes-de-mesure-lumiere/

4) Comment rendre mes photos uniques ?

Etant donné que votre sujet ne contiendra pas de détails à cause de sa sous-exposition il faudra se concentrer sur deux éléments pour réussir votre image :

-          L’arrière-plan, qui sera correctement exposé. Il devra donc être particulièrement agréable : beaux paysages, couchers de soleil…

-          Le sujet, qui apparaitra à la manière d’une ombre chinoise. Il devra donc bien se détacher de l’arrière-plan et être facilement identifiable.

© Sahrizvi

5) Quelques astuces supplémentaires :

Pour faciliter vos prises de vue, pensez à vous servir de la lumière rasante caractéristique des golden-hours. Les surfaces mouillées comme le sable ou le bitume peuvent également vous aider car elles réfléchissent la lumière contribuant ainsi à accentuer la sous-exposition du sujet.

© FreeWine

Sur le plan esthétique vous pouvez varier les clichés en laissant filtrer un peu de lumière. Ainsi le flare n’est pas toujours votre ennemi !

Si malgré ces conseils vous rencontrez toujours des difficultés pour vos photos de silhouette n’hésitez pas à poster un commentaire ou à assister à l’un de nos cours photo .

Soutien d’Alexandra de Mon Cours Photo : « Aude, she’s your girl » !

Pour soutenir Aude RDV :
- sur son blog : http://outbackadventurer.wordpress.com/
- sur Facebook : https://www.facebook.com/AudeOutbackAdventurer
- sur Twitter : https://twitter.com/Audebestjob

Et bien sûr, Aude vous ramènera des belles photos d’Australie car elle suit des cours avec Mon Cours Photo

Vous avez sûrement remarqué que lors d’une sortie photo entre amis, on peut manquer d’inspiration, photographier les mêmes choses, ne pas oser sortir du cadre… Grâce à mes conseils vous serez à même d’organiser une chasse aux photos réussie, durant laquelle chacun réalisera des clichés originaux et personnels.

Asseyez-vous confortablement et suivez le guide .

1) Une chasse aux photos, késako ?

La chasse aux photos est un exercice permettant de développer sa créativité, son propre style et sa technique photo. Chaque participant reçoit une liste de sujets à photographier et il doit prendre une seule photo par sujet. Je précise que les photos ne doivent être ni retouchées ni recadrées. Les prises de vue nécessitent donc plus de soin, ce qui incite à améliorer sa technique.

La chasse aux photos © Shaun Walton

L’idée consiste à photographier des sujets banals et des objets du quotidien que l’on va sublimer grâce à notre créativité. Composition, profondeur de champ, vitesse d’obturation… deviennent des outils indispensables vous permettant d’affirmer votre style et de donner de l’originalité à vos sujets.

2) Oui mais comment je prépare ça ?

Vous commencez par dresser une liste de sujets à photographier. Ces sujets peuvent être très concrets : une silhouette, un animal, la couleur bleu… mais aussi plus abstraits : la nature, la vulgarité… On se fixe alors un nombre de photos à réaliser, par exemple 30, en un temps limité, par exemple 2 heures. Il ne vous reste plus qu’à distribuer une liste de sujets à chaque participant.

Je vous conseille de consacrer 1/3 de votre liste aux sujets abstraits et 2/3 aux sujets concrets. En effet, les sujets abstraits sont plus compliqués à traiter car ils demandent un travail d’interprétation.

3) Tu ne pourrais pas me donner des idées de sujets concrets ?

Voici des exemples de sujets concrets : un vêtement abandonné, la couleur verte, un vélo, un graffiti, une porte rouge, des escaliers, les reflets, une boisson chaude, des épices, une personne en train de téléphoner, une canette de soda, un lampadaire, une roue, des chaussures à talon, une assiette vide, une fontaine, une montgolfière, un oiseau en plein vol, un fauteuil, une vieille voiture, une barrière…

Ensuite, à vous de trouver comment mettre en valeur votre sujet ;-). Voici quelques photos qui peuvent vous inspirer.

Les reflets © Alexis, élève Mon Cours Photo.

Une vieille voiture.

La couleur bleue © Nicolas, élève Mon Cours Photo.

4) Et des idées de sujets abstraits ?

Je sens que vous insistez… alors voici des exemples de sujets abstraits : la vulgarité, à toute vitesse, le repos, la bonne humeur, la France profonde, le départ, la sincérité, vision d’enfant, le partage, en pleine réflexion, l’insouciance…

Le partage © Quentin, élève Mon Cours Photo.

La vitesse © Stéphane, élève Mon Cours Photo.

5) On est de retour, maintenant on fait quoi ?

Une fois de retour vous allez pouvoir partager vos photos pour recueillir des avis sur votre façon de traiter les différents sujets, donner votre avis, et voir l’originalité dont les participants ont fait preuve.

Une auto-analyse est également possible. Elle permet de mieux comprendre ses goûts en matière de photographie ainsi que les erreurs commises.

Parfois ces petits sujets donnent finalement naissance à des séries photos, pour apprendre à réaliser une série photo suivez ce lien : série photo.

N’hésitez pas à partager cet article et vos photos sur notre page Facebook. Bonne chasse !

Boris

Il s’agit de « Derrière l’objectif de Pierre & Gilles », avec des propos recueillis par Chloé Devis, photographe et formatrice chez Mon Cours Photo.

Qui sont Pierre & Gilles ?

Pierre & Gilles collaborent depuis pas moins de 35 ans ! Ce couple et duo d’artistes a d’abord travaillé pour la presse avant d’investir les musées et les galeries du monde entier.

Ces portraitistes de géni mélangent photographie et peinture. Leurs œuvres s’imprègnent du cinéma coréen, chinois, hollywoodien et se distinguent par des couleurs vives ou pastel. On apprécie dans leurs photos une ambiance pop, presque kitsch, ainsi qu’une originalité sans limite puisant son inspiration dans le décalage, l’humour, et le paradoxe.

© Pierre & Gilles, «Tamoul Mafia. 1993». Hommage à MGR, un acteur mythique du cinéma tamoul.

Un grand nombre d’artistes connus et de personnalités « people » sont passés devant l’objectif de Pierre & Gilles: Étienne Daho, Pascale Borel et Valérie Lemercier, Catherine Deneuve, Serge Gainsbourg, Jean-Paul Gaultier, Marie Gillain, Nina Hagen, Madonna, Salim Kéchiouche, Jérémie Renier, Sylvie Vartan, Mireille Mathieu, Régine, Kylie Minogue, Marilyn Manson, Natacha Régnier, François Pinault, Christian Boltanski, Arielle Dombasle, Laëtitia Casta, etc.

© Pierre & Gilles, «Nuit de neige, 1994». Sylvie Vartan pour une commande du journal «Libération»

De quoi parle ce livre ?

Derrière l’objectif, de Pierre et Gilles (Éditions Hoëbeke), ouvre les portes sur leur univers atypique. Ils retracent leur parcours en commentant une centaine de photographies dont les plus emblématiques ont été sélectionnées pour leur exposition à la FNAC Ternes (Exposition du 15 avril au 31 juillet 2013 – Galerie Photo – niveau 4).

© Pierre & Gilles «Johnny Guitar, Matthieu Charneau, 2012».

Le livre ne se contente pas de nous présenter leurs œuvres, c’est un véritable accès aux coulisses. Les photographes décrivent les étapes de la création en révélant leurs secrets de fabrication, les prises de vue, les retouches au pinceau, la mise en scène… Leurs sources d’inspiration proviennent de la culture pop, de la culture gay, de la pornographie, ou même de la religion, qui est un de leurs thèmes majeurs, comme ils l’expriment : « Nous avons le goût du mystique. Il est très difficile de séparer art et religion. ».

© Pierre & Gilles, «La Nouvelle Eve, Zahia Dehar, 2011».

Comment se répartissent-ils les rôles ?

A partir de dessins de leurs projets communs, ils créent les décors de leurs mises en scène. Pierre photographie la scène, puis Gilles retouche le tirage par couches successives de peinture afin d’atteindre l´image recherchée. Il en résulte une œuvre unique, qui n’est achevée qu’une fois le cadre trouvé, celui-ci étant aussi conçu spécifiquement par les artistes.

©Pierre & Gilles

Pierre et Gilles définissent leur travail ainsi :

« On aime idéaliser mais on parle aussi de la mort, du mystère et de l’étrangeté de la vie. Il y a autant de douceur que de violence dans nos images… »

Comment en sont-ils arrivés là ?

Pierre Commoy et Gilles Blanchard grandissent dans des familles qui leur dictent des codes de conduite et qu’ils s’empresseront de transgresser. Après des études artistiques au Havre, Gilles  s’installe à Paris en 1973. Pendant ce temps, Pierre travaille pour quelques magazines. Ils se rencontrent en 1976 et commencent leur collaboration, en totale rupture avec la tradition familiale du « bon goût ».

© Chloé Devis, portrait de Pierre & Gilles

Si vous possédez le livre ou que vous avez visité l’exposition à la FNAC des Ternes, n’hésitez pas à commenter cet article pour nous donner votre avis .

Jack Lang devant une œuvre de Jaume Plensa, Paris, Jeu de Paume, 1997 © André Morain

L’intérêt que j’ai éprouvé pour son travail vient à la fois de l’esthétisme de ses photographies et de l’aspect historique de son travail. Pendant quarante ans (entre 1962 et 2012) André Morain a capturé les moments-clés du monde artistique à travers des photos pleines de spontanéité. Grâce à elles, on découvre les artistes-phares du 20^ème siècle en train de contempler les œuvres de leurs collègues. Ceci m’a à la fois fait sourire et profondément ému.

Brassaï et Robert Doisneau en 1981 au Centre Pompidou ©André Morain

Cette exposition nous fait complètement voyager dans le temps : on rencontre des artistes maintenant disparus (Man Ray, Salvador Dalí, Jacques Prévert…) et d’autres artistes que l’on voit vieillir (Nikki de Saint Phalle, Christian Boltanski, Annette Messager…).

Photo 1: Andy Warhol

Photo 2: Annette Messager, Christian Boltanski, exposition “Richard Serra”, Paris, centre Pompidou, 1983-1984 © André Morain

En effet, André Morain a photographié une myriade d’artistes, de galeristes, d’écrivains, d’hommes politiques, de conservateurs, de collectionneurs… tous appartenant au milieu artistique en étant acteur ou promoteur. J’ai pu ressentir la fascination que tout le monde a pour ces artistes ainsi que le plaisir de pouvoir les observer dans un autre cadre : ils ne posent pas, ces photos sont prises sur le vif.

Enfin, beaucoup de photos m’ont aussi fait rire et je vous invite à courir vite à cette exposition pour découvrir le talent d’André Morain et les visages ces générations d’artistes qui se sont succédés.

Infos pratiques:

Maison Européenne de la Photographie

5/7 rue de Fourcy – 75004 Paris

Du mercredi au dimanche, de 11h à 20h (sauf jours fériés)

Entrée 4,50€ à 8 €

© Terra Kate

1) L’équipement nécessaire :

-un appareil photo numérique, il devra être réglable en mode manuel ! Ça peut paraitre évident mais je préfère le rappeler.

-un trépied, si vous n’en avez pas, utilisez un support pour poser votre appareil afin qu’il reste immobile pendant vos prises de vues (une chaise ou une table feront l’affaire).

-un tabouret, pour y installer l’objet ou la personne qui devra ‘‘léviter’’. Comme pour le trépied, d’autres supports peuvent remplacer le tabouret.

-un logiciel de montage photo (Gimp, Photoshop…), nous utiliserons Photoshop pour cet exemple. Vous pouvez télécharger une version d’essai ici

Comme vous pouvez le constater rien de sorcier dans le matériel sélectionné, je pense donc que tout le monde peut se le procurer.

© Louish Pixel

2) La prise de vue :

Il est nécessaire de prendre 2 photos pour créer ce photomontage. Pour commencer il faut choisir la pièce où vous voulez prendre votre photo et l’angle de vue. Ensuite, on pose l’appareil photo sur le trépied et on effectue nos réglages : en mode manuel, et avec la mise au point manuelle (à ne pas confondre !) :

- en mode manuel, les réglages que vous allez utiliser pour chacune des 2 photos (temps de pose, ouverture, sensibilité iso ) doivent être identiques ;

-avec la mise au point manuelle pour que la photo soit nette exactement au  même endroit sur les 2 photos, c’est-à-dire sur l’objet en lévitation (et à son emplacement sur la photo où il n’est pas encore là)

La première photo correspond à l’arrière-plan, sans sujet :

© Mon Cours Photo

Puis, on prend une seconde photo avec le sujet sur le tabouret :

© Mon Cours Photo

3) Le photomontage :

Nous avons désormais nos 2 photos mais pour l’instant personne ne lévite ! Pour changer cela on va supprimer le tabouret de la photo. Avec Photoshop, ouvrez la première photo représentant le décor puis la seconde que vous copiez et collez sur la première. Cette deuxième photo apparait alors en calque au-dessus de la première.

On ajoute alors un masque de fusion sur le calque 1, c’est-à-dire la seconde photo :

On constate qu’un rectangle blanc apparait dans la vignette de votre calque, qui nous confirme que le masque de fusion est bien appliqué.

Utilisez ensuite de l’outil pinceau avec la couleur noire pour effacer le tabouret du calque 1 comme on le ferait avec une gomme. Vous pouvez régler l’épaisseur du pinceau pour plus de précision et faire réapparaître des éléments effacés par inadvertance en remplaçant le noir du pinceau par du blanc.

Après avoir effacé le tabouret on obtient une photo avec notre sujet qui lévite :

Les photos de lévitation donnent des ambiances particulières, il est possible de faire léviter plusieurs sujets pour que l’effet soit encore plus impressionnant.

© Anka Zhuravleva

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Boris

Cependant, photographier les seniors peut être délicat car cet exercice nécessite que le photographe dépeigne au mieux la personnalité et l’expérience de ses modèles. Voici 5 conseils photo pour vous aider à retracer la vie de nos aînés.

1) S’adapter à leurs exigences

Tout d’abord, vous devez tenir compte des contraintes de vos modèles, ils ne possèdent plus la même énergie et ne peuvent donc pas se déplacer à l’autre bout de la ville afin de poser pour vos photos. Je vous suggère donc de déterminer avec eux l’endroit le plus apte pour votre rencontre. Bien sûr leur maison ou une maison de retraite ne sont pas forcément les lieux les plus photogéniques mais il faut avant tout penser à leur confort.

© Luc Choquer

Aussi, vous ne devez pas oublier les conseils de base propres au portrait. Prévenez vos modèles pour qu’ils puissent se préparer et ce, même si ce sont des proches. En effet, même une personne âgée préfèrera apparaitre sous son meilleur jour, il est donc important de les informer de votre reportage photo et dans quel but vous vous lancez dans cette expérience.

2) Définir le contexte

Une fois les préparatifs effectués, vous pouvez commencer à définir l’ambiance générale à dégager. Un portrait trouve de la pertinence s’il nous apprend plus sur la personne qu’une simple image de photomaton, c’est pourquoi il faut choisir le contexte avec soin.

© Luc Choquer

Peut-être que votre modèle a un lieu préféré, a toujours vécu dans la même maison, possède un objet qu’il affectionne particulièrement… autant de détails permettant de donner une profondeur à votre portrait.

3) Saisir leur expression

Plus encore que le contexte, ce qui importe lors de la séance photo est de saisir l’expression de votre modèle. Inutile de lui demander de montrer une expression spécifique, c’est à vous de choisir grâce à votre intuition quel moment définit au mieux la personnalité de votre sujet.

© Andrey Dorokhov

Les personnes âgées tendent à moins poser ou à se forcer à sourire que les plus jeunes, par conséquent obtenir une photo naturelle est souvent plus aisé.

4) Choisir les bons réglages

Soyons clair, il n’existe pas de bons ou de mauvais réglages, seulement des choix. Les conseils pour réussir un portrait restent d’actualité : utilisez un objectif avec une longueur focale entre 50 et 85 mm pour éviter de déformer les visages, préparez la composition, guidez le modèle…

© Hamed Masoumi

J’ajoute que l’utilisation du noir et blanc donne un aspect documentaire et intemporel à vos photos qui peuvent tout à fait correspondre à ce type de portraits.

5) Raconter leur histoire

Quand vous souhaitez réaliser un portrait il est important de détendre votre modèle et de comprendre son état d’esprit, je vous conseille donc de poser des questions. C’est particulièrement vrai pour les seniors car ils ont de nombreuses expériences liées à des voyages, des rencontres, leur profession… Ces questions vont permettre de préciser davantage votre portrait en incorporant des objets qui racontent une histoire. Peut-être que cette personne a remporté des trophées, écrit des livres, accompli toutes sortes de projets. Montrez-le !

© Luc Choquer

Pour vous inspirer n’hésitez pas à consulter les photos de Luc Choquer présentées en 2010 à la Maison Européenne de la Photographie pour l’exposition : « Les vieux, histoire muette du 3eme âge ».

Si mes conseils vous ont aidés n’hésitez pas à partager cet article.

Boris

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